2023年12月29日 (金)

印象派から現代絵画へ

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 モネ。シスレー。ピサロ・・・。彼ら印象派の画家たちは自然の中に出かけて描くようになる。従来は外でスケッチだけを行い、描き仕上げるのはアトリエに戻ってから。この戸外制作という方法は、場所と時間による光の変化をより敏感に感じさせる働きがあったのだ。またチューブ入り絵具の登場も戸外制作を助けることになる。

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 現代に近づいて、カンディンスキーやマーク・ロスコの絵画が「光をテーマにした」と言われても、ウーンという感じ。でもブリジット・ライリーの『ナタラージャ』はなぜか納得できました。幾何学的かつ機械的なパターンを、補色関係をものともせずに対比させる。そこからくる強いクラクラ感は、直射日光が目に入ってふらっとする感覚。

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 ゲルハルト・リヒターの『アブストラクト・ペインティング』という作品は、水で濡れた路面に街角の様子が映り込んだように見える。滲んで、歪んで、タイトルからすると作家は何も示唆していないけど。鑑賞者が自由にイメージして作品は完結する。これこそ現代美術。観客が何かを感じたら、その時点で作品に参加しているのだ。

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 科学の進歩によって、色や光が物理学の理論で説明されるようになる。そして写真の発明と技法の進展。まさに写真は光そのもので成り立っているから、絵画に及ぼす影響も大きい。否応なくアーティストは変質を迫られる。このあと展覧会の流れは、キャンバスを離れて直接的に光を扱った作品群へ。続きは年明けに。

テート美術館展 光
ターナー、印象派から現代へ
2023年10月26日(木)~2024年1月14日(日)
大阪中之島美術館

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2023年12月26日 (火)

テート美術館の光

   Light

 英国が誇る美術の殿堂、テート美術館から110点もの作品がやって来て、光をテーマにした展覧会が中之島美術館で開催されている。もしかしたら2023年で一番かもしれません。ここ200年の近現代アートが光を横串にずらりと並ぶ圧巻の展示。中身の濃さではこの夏に東京で観た『マティス展』と甲乙つけがたいと思います。

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 英国美術といえば、やっぱりターナーとコンスタブル。みずみずしい自然を描いて風景画に革新をもたらしたコンスタブルに対し、ターナーはもやっとした空気、立ち上る水蒸気、ぼーっとした光など、あいまいだけど確かに存在するモノを何とか絵にしようと試行錯誤したようだ。印象派やもっと後の抽象絵画への、いわば先駆け。

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 ターナーは直感的な人だとばかり思っていたけれど、きわめて理論的。そのころ急速に進んだ科学の成果を、自らの絵画に取り込む。ロイヤル・アカデミーの教授として色彩論や透視図法の研究を講義する。透明な球に映り込む景色と、逆に透過して見える景色を詳細に描き分ける、などなど。彼の違う一面を初めて知りました。

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 光の反射と屈折と透過、そして影の生成。モノが見えるのはすべて光のおかげ。自然科学が解き明かしてくれる真実に目覚めると、光をもっと探求したくなるのでしょう。それは光を神の存在証明として捉えた中世までとは明らかに違う態度と哲学。芸術家は天使の光輪や聖人の後光とは、もう別世界に生きることになるのです。

テート美術館展 光
ターナー、印象派から現代へ
2023年10月26日(木)~2024年1月14日(日)
大阪中之島美術館

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2023年12月21日 (木)

至高のシモン・アンタイ

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 ハンガリーで生まれ、パリで大活躍したシモン・アンタイ(1922ー2008)。彼は1950年代から80年代にかけて、シュールレアリズム、アクションペインティング、抽象表現主義へと多様な表現の道をたどっていく。当代随一の色彩画家としての地位を築いたアンタイは、意欲溢れる多くの若手アーティストに影響を与えることになる。

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 いま心斎橋のエスパス ルイ・ヴィトンで、そのアンタイの展覧会が開催中。『SIMON HANTAI ― FOLDING』展、すごくエキサイティングな体験です。彼のスタイルが確立されるきっかけとなったのは、ジャクソン・ポロック作品との出会い。抽象の持つ生命力を鮮やかに表現するポロックに魅了され、大きな刺激を受けたのだ。

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 1960年代からアンタイが始めた「pliage comme methode(手法としての折り畳み)」。キャンバスを折り畳んだり、くしゃくしゃにしたりして縛り、アクリル絵具や油彩で色を塗る。すると開いたときに絵具がついた部分とつかない部分が。これを意図的に作っていっても最後は偶然性にゆだねるしかない。それこそ芸術の神の技?

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 プリアージュの手法を多様に深化させていったアンタイ。布地の染色で絞り染めという技法があるけれど、これならできあがる模様は丸くなる。それを試行錯誤を続けて不定形や四角にしていった彼の探求は素晴らしい。そして染にはない絵具の盛り上がりは、平面作品ながら物質としての存在感を際立たせています。

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 今回の展示は10点以上の作品と、多くの書籍や関係資料とVTR映像。作品はタテ・ヨコ2m以上、大きいのは291×584cmもあって見ごたえ十分です。さらに近くによって見るディテールは、まさに神が宿ったかのような面白さ。昨年パリで開催された『シモン・アンタイ生誕100周年記念展』をもとに企画された展覧会でした。

シモン・アンタイ回顧展「Folding」
2023年9月28日(土)~2024年2月4日(日)
エスパス ルイ・ヴィトン大阪

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2023年12月15日 (金)

切り絵の現在と未来

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 切り絵の最先端をリードするアーティスト。その一人がSouMaさんです。カッターナイフ1本と1枚の和紙から、こんなに豊かな形状と量感を持つ作品が生まれるとは。もはや「切り絵」のイメージを超越しているのみならず、「平面」や「立体」といった従来の大きなジャンル分けさえ無力化している。それほど独創的なアート作品です。

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 紙の層を剥がし、捩り、曲げ、捻じり、編み、焼き・・・独創的な技が詰め込まれた作品は、すべて1枚の繋がった紙で出来ている。和紙だからこその特性を生かした驚異の作品群は、ぜひ会場でご覧いただきたい。もう一人、切り絵の新たな地平を切り開いているのが福井利佐さん。表現の限界に挑戦する姿勢に感動します。

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 影を作品として見せるための作品。EL照明を点滅させて見せる作品。書籍の表紙用の作品。写真家とコラボした作品。などなど。多彩な領域で次々とその才能を発揮している福井さん。きっと一時の成功にとどまることができないのでしょう。もっと面白く、もっと力強く、もっと高みへ。クリエイターの魂と業、凄みを感じる。

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 伝統的なクラフトから、最先端のアートへ。わずか20年足らずで、切り絵の世界もずいぶん遠くまで来たものだ。紹介した7人のミューズが大きくシーンを動かしたのは間違いない。個々の表現手法も目指すゴールもさまざまだけど、お互いが刺激しながら大きな進化を遂げたアーティストたち。爆発的な勢いの行く末が楽しみです。

日本の切り絵 7人のミューズ
7人の作家が創り出す、現代切り絵の世界
2023年11月18日(土)~2024年1月28日(日)
神戸ファッション美術館

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2023年12月12日 (火)

日本の切り絵、進化中

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 現代日本の切り絵アートを代表する7人の作家たち。前回に続きその革新性をお伝えします。切り剣 Masayo さんは、オウムガイやタコ、深海魚のリュウグウノツカイやクラゲを超絶技法で作品に仕上げる。そのモチーフもユニークだけれど、髪の毛ほどの細さで自然な線をカットする凄腕は、まさに「切り剣」の名にふさわしい。

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 彩色しない。折らない。影の効果を使わない。全て繋がった1枚の作品にする。これらは彼女が自らに課した制作のルール。そんな厳しい条件だからこそ、生み出された白黒の世界は高潔なのだ。その対極で表現の高みを追求しているのが筑紫ゆうなさん。擬人化された動物たちが繰り広げるファンタジックな物語世界です。

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 筑紫さんは自分が「切り絵」作家のジャンルに入るという意識がないのではないか。やりたい表現を追求したら、切り絵の手法も取り入れることになった、そんな感じ。なにしろ画力がスゴイのだ。その画力で動物や植物を描いて切り抜き、それらをパーツに構成して作品にする。するとドローイングでは描けない不思議な世界が。

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 輪郭がくっきり浮き出て、紙一枚の厚みとはいえ立体感が現れるのは、やはり切り絵ならでは。懐かしさと、ユーモアと、動物たちの存在感が一段と強調されている。描いて、切って、組み合わせて、イメージの森を構築する筑紫ワールド。鑑賞者はその魔法の王国で空想の翼を広げて自由に遊べば、つかの間の幸せが訪れる。

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 19世紀の哲学者、ヴォルテールの文章を切り絵にした蒼山日菜さん。5年ほど前に初めて見たときは衝撃でした。筆記体の文字にアールヌーヴォー風のツタ模様を絡ませて一枚の作品に仕上げる発想。文章がアート作品になるのか!という驚き。彼女は「レース切り絵画家」という造語を考え出し、いまメディアでも活躍中です。

日本の切り絵 7人のミューズ
7人の作家が創り出す、現代切り絵の世界
2023年11月18日(土)~2024年1月28日(日)
神戸ファッション美術館
 

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2023年12月 9日 (土)

切り絵のミューズたち

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 切り絵って、ハサミやカッターで紙を切って生み出す絵のことでしょ? 間違いではないけれど、それだけと思って見なかったら人生の損失になる。そんな展覧会が神戸ファッション美術館で開催中の『日本の切り絵 7人のミューズ』展です。ただ紙をカットするだけではなく、折り曲げたり彩色したり立体に組み上げたり、自由奔放。

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 切り絵の概念をガラッと変えてくれるのは、蒼山日菜、SouMa、筑紫ゆうな、福井利佐、切り剣 Masayo、松原真紀、柳沢京子。現代切り絵の世界を切り開く7名のアーティストだ。信州の自然と暮らしをテーマにするベテランの柳沢京子は、力強い黒紙のカットに淡い色彩を溶け込ませて、懐かしくもモダンな世界を生み出した。

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 ザトウクジラの親子が遊ぶ勇壮な世界。海中の泡まで見事に表現した松原真紀の『 team BLUE 』は、66×84cmの大作。この作品の力強さは、ぜひ会場で実物をご覧になって味わっていただきたい。蜘蛛の巣にかかった蝶と、フレームの外まで垂れ下がった蜘蛛。壁のコーナーをうまく使った展示で、立体感が強調されている。

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 切り絵の伝統に縛られない姿勢。それは手法に限らず、複合的な素材の組み合わせやモチーフの選び方、平面から立体への進化、影を積極的に活用した展示など。工芸的な意味合いが強かった「切り絵」から、「切り絵アート」へ。7人それぞれが自由な精神でチャレンジを続け、独創的な表現に至っているのがよくわかる。
  ※あと2回か3回、この展覧会について書く予定です。

日本の切り絵 7人のミューズ
7人の作家が創り出す、現代切り絵の世界
2023年11月18日(土)~2024年1月28日(日)
神戸ファッション美術館

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2023年11月24日 (金)

堀尾貞治の千点絵画

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 神戸のBBプラザ美術館で、いま『堀尾貞治 あたりまえのこと 千点絵画』展が開催中です。ギャラリーPAXREXにも毎週のように来ていただいていた堀尾さん。もう亡くなって5年になるんですね。あの「具体」のメンバーで、亡くなる前日まで毎朝欠かさず続けていたというドローイング鍛錬。生きることすべてがアートな方でした。

Bb

 2016年に大和郡山で延べ6日間にわたり千点の絵画を描いたプロジェクト(実際には1,028点制作)から、276点を展示。形状や色、サイズや画材、質感も技法も実にさまざまな作品が、壁にも床にもあふれている。作品リストによれば多い日は67点も制作。スピードと量を重視する創作哲学とはいえ、凄まじい集中力と瞬発力だ。

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       あたりまえのことをしていけば   
       あたりまえでなくなり    
       やがて 力となる
                Sadaharu Horio

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 「あたりまえのこと」を表現し、その場に沿った「空気」を可視化するためのいろんな美術表現に挑み続けた堀尾貞治。そして、ついにたどり着いた「表現を捨てることが自己の表現」という境地から、呼吸するように生み出された作品群は、長年の創作鍛錬の賜物です。この精力的な活動が、77歳のときだったとは驚きです。

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 なお、この展覧会は NHK-Eテレの「日曜美術館 アートシーン」で放映されることが決定したそうです。ぜひテレビで観てください。ぜひ会場へ足を運んでください。人生の中心に美術を据え、生涯をかけてアートを追求した堀尾さんの熱い想いが伝わると思います。

堀尾貞治
あたりまえのこと
千点絵画
2023年10月17日(火)~12月24日(日)
BBプラザ美術館

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2023年11月21日 (火)

白い祈りの壁

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 目の前に広がる白い壁。エルサレムの嘆きの壁のような荘厳な佇まい。『吉本直子 いのちをうたう  衣服、痕跡、その祈り』展の会場に足を踏み入れると、あきらかに空気が変わる。ミニマルで、静謐で、空間そのものが息をつめたような、そんな感じ。これはすごいアーティストの、とんでもない作品に出会ったぞと思いました。

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 この壁は 高さ6.8m 横幅10.9m、『鼓動の庭』 A Garden Echoing with Heartbeats という作品。人が着用した白い古着を圧縮したブロックを大量に作り、日干しレンガのように積み上げた立体作品です。近づいてみれば、襟や縫い目や袖のボタンも見える。それら一つ一つが着ていた人の過ごした時間や記憶を宿す生の履歴。

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 無名の個人が生きた履歴といえども膨大な量が集まれば、時代の大きなうねりを表す象徴的なモニュメントになりうる。また床に置かれた『地の残像』や『白の棺』は、古着のブロックから袖などを引っ張り出して造形。まるで天変地異による大地の割れ目や、白骨になった生命体の遺骸。静かに生と死のイメージを発する。

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 作家の言葉です。「着用者の生きた時間、記憶、歴史を目には明らかではない痕跡としてとどめた衣服。それを素材として制作した立体は、耳には聞こえない叫び、願い、祈りを放っているように思えます。今を生きる無数の人々の生に思いを馳せ、個々の祈りが共生の祈りとなって響く空間を制作したいと思っています。」

吉本直子 いのちをうたう
衣服、痕跡、その祈り
2023年10月28日(土)~11月26日(日)
兵庫県立美術館

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2023年11月 8日 (水)

鏡の国の横尾忠則

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 Yokoo in Wonderland 展の3F会場は、鏡の国。壁一面が少し凹凸があるアルミ箔のような素材で覆われている。照明も観客も、反対側の壁面に展示されている作品も、すべてが映り込む。床はもともとツルツルの白大理石なので、これもミラーのようによく映る。つまり実像も虚像も同じ平面上に同列に見える仕掛けになった空間。

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 展示されている作品も、鏡の断片を貼り付けたり、教会の祭壇画のような折りたためる構造にしたり。たとえば『Greco's Madonna』ではエル・グレコの聖母マリアとマン・レイに横尾自身が同居する。時空を超えたイメージを思いのままにコラージュさせる発想そのものが、現実も非現実も、実像も虚像も超越しているのだ。

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 そして作品の中に割れた鏡の断片が貼り付けられている。キャンヴァスに絵の具で描かれたリアルな要素と、ミラーに映る画像が二重三重に呼応。しかも観客が動けば映り込む像は常に変化する。そこで生まれる思わぬギャップ。偶然の取り合わせによる新たなイメージの生成。ああ、観客も静かに参加しているのですね。

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 4F会場は夢の国。横尾忠則にしては小さめの『夢枕』シリーズ、計43点が並ぶ。B3ぐらいの紙に水彩で描かれた、眠る人と見ている夢の世界。悪夢も、甘美な夢も、幻想も、いわば夢日記を絵で記録する、画家ならでは私的な試みです。夢も欲望も恐れも、自らをさらけ出してアートを紡ぐ横尾さんの方法論が垣間見えました。

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Yokoo in Wonderland
横尾忠則の不思議の国
2023年9月16日(土)~12月24日(日)
Y+T MOCA
横尾忠則現代美術館

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2023年11月 4日 (土)

横尾忠則ワンダーランド

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 ルイス・キャロルの『不思議の国のアリス』になぞらえた、横尾さんの展覧会『Yokoo in Wonderland 横尾忠則の不思議の国』が開催されています。アリスがウサギ穴から落ちて冒険が始まるように、会場の入り口に掲げられた作品の穴から入り込む。そこには洞窟があり、地底王国があり、海中や宇宙まで不思議ワールドが広がる。

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 横尾さんが少年時代に胸ときめかせた異空間。まだ「少年サンデー」や「少年マガジン」が発行される前、「少年画報」などの月刊漫画誌が全盛時代のイメージが会場にあふれる。ターザンやUFO、深海の魚や怪人、死体や裸体。古代神話や異国の聖人、流れる血、ドキドキするエロス。イケないもの見たさが発露している。

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 いまよりもっと情報が少ない時代。しかももっと子どもの目に触れさせない社会。そんな時代に育った横尾少年は、こっそり見る。隠れて見る。どこか犯罪者的な意識を抱えながらも、我慢するにはあまりにも魅力的な背徳の世界。そんな遠い日々の思考や妄想をみずみずしい感覚で描く、私小説的な絵画世界は妖しく美しい。

Swanlake

 キャンヴァスに何十本もの骨が貼り付けられた『Swan Lake』をはじめ、『黄色い死者』や「死者の誕生』。繰り返し現れる三島由紀夫や首吊りのモチーフなど、死の幻影と死後のイメージがあふれる。精神世界への傾倒、宗教への関心。ヨコオワールドの根底には生と死が織りなす不思議があると思いますが、いかがでしょうか。

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 静止した絵画世界に動画の要素を取り入れたテクナメーションという技法・装置を使った12点の連作が、暗く照明を落とした一部屋を占めている。テクノロジー+アニメーションの造語で、裏から光を当てて透過光で作品を観る仕掛け。その絵の中で、例えば滝はとめどなく流れ落ちる。好奇心旺盛な横尾さんらしい取り組みだ。

Yokoo in Wonderland
横尾忠則の不思議の国
2023年9月16日(日)~12月24日(日)
Y+T MOCA
横尾忠則現代美術館

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